15 המאפיינים החשובים ביותר של התיאטרון - אומנות - 2025

המאפיינים החשובים ביותר של התיאטרון קשורים באופן הדוק את המשותף לכל משחק או ביצועים. מקורו של המונח תיאטרון במילה היוונית תיאטרון שמשמעותה "מקום לצפות בו".

לכן, במקור, התיאטרון התייחס הן למקום והן לצורה מסוימת של תפיסה. כיום מושג התיאטרון יכול להתייחס ל: בניין, פעילות ('ללכת' או 'לעשות' תיאטרון), מוסד וצורת אמנות.

תיאטרון הוא ענף האמנות הנוף הקשור למשחק וייצוג סיפורים מול קהל חי, תוך שילוב של נאומים, מחוות, תפאורה, מוזיקה, צלילים ומחזה המבקשים לעורר את הצופה ולהלהיב אותו.

התודעה משחקת גם תפקיד חשוב בתיאטרון, שכן ביטוי אמנותי זה מפוענח על פי תפיסתו והדמיון של הצופה.

לכל המחזות יש אלמנטים משותפים המאפיינים אמנות זו. להלן תוכל לראות את התכונות הבולטות ביתר פירוט.

15 אלמנטים אופייניים של התיאטרון

1- מגרש

מקור: Morruelo באמצעות ויקימדיה Commons)

זה מה שקורה ביצירה. זה מתייחס לפעולה. ארגון אירועים או בחירה וסדר של סצנות במחזה. לפי אריסטו, מדובר בתפיסה מופשטת המתייחסת למצב האירועים המהווים את חומר הגלם ורכיביו של הסיפור.

העלילה היא האופן שבו אירועים אלו מובנים למכלול קוהרנטי. אם שינוי הסדר של ההזמנה המקורית, תיווצר מסגרת חדשה. שני סוגים של עלילה הם השולטים בתיאטרון. בשלב הבא המאפיינים העיקריים והרכיבים המבדילים אותו:

מסגרת הרזולוציה

• העלילה מתחילה מאוחר בסיפור, קרוב יותר לסוף או לשיא.
• מכסה פרק זמן קצר.
• הוא מכיל כמה סצינות סולידיות ומורחבות.
• זה מתרחש במיקום מוגבל, בחדר או בבית.
• מספר התווים מוגבל מאוד.
• מעט מישורי משנה מועלים.
• קו הפעולה מתנהל בשרשרת של סיבה ותוצאה. דמויות ואירועים קשורים זה לזה ברצף כמעט בלתי נמנע של התפתחות לוגית.

חושף את העלילה

• העלילה מתחילה מוקדם יחסית בסיפור ועוברת בסדרת מעשים.
• מכסה פרקי זמן ארוכים.
• הרבה סצינות קצרות ומקוטעות או הסירוגין בין סצינות קצרות וארוכות.
• זה יכול לכסות עיר שלמה או אפילו מדינות מרובות.
• שפע של דמויות.
• מסומן לעתים קרובות בכמה חוטי פעולה, כמה סיפורים מקבילים.
• הסצינות קשורות זו בזו. אירוע יכול לנבוע מכמה סיבות, או ללא סיבה נראית לעין, אך הוא מתרחש ברשת של נסיבות.

2- נושא

מקור: Martinbayo באמצעות Wikimedia Commons)

בעוד שהעלילה מתייחסת לפעולת המחזה, הנושא מתייחס למשמעות המחזה. לפעמים זה כתוב בבירור בכותרת.

פעמים אחרות ניתן לומר באמצעות דיאלוג על ידי דמות שמשמשת כקול של המחזאי. לפעמים הנושא פחות מובן מאליו ועולה רק לאחר ניתוח תוכן היצירה.

3- תווים

הם האנשים, החיות או הרעיונות המיוצגים על ידי השחקנים בהצגה. במונחים מבניים, הדמויות הן סוכני הפעולה, אלו המספקים את המוטיבציה לאירועים בעלילה להתרחש.

לכל דמות צריכה להיות אישיות משלה, גיל, מראה, אמונות, רקע סוציו-אקונומי ושפה. על פי תפקידיהם ביצירה ניתן לתאר סוגים מסוימים של דמויות:

• גיבור : הדמות הראשית.
• אנטגוני : המתנגד הראשי של הדמות הראשית.
• עמיתים מקבילים : הם חושפים כמה היבטים של הדמות הראשית על ידי קיום נסיבות או התנהגויות דומות או שונות.

4 - תסריט או טקסט

זו נקודת המוצא של ההופעה התיאטרונית. זה הטקסט שבאמצעותו נוצר המחזה. זה מורכב מדיאלוג, הוראות במה, תיאורי דמות וכדומה במחזה. זה מתייחס למילים שנכתבו על ידי המחזאי ומפורשים על ידי הדמויות.

5- מגדר

מעמד ייחודי ליצירה. מין בא ממילה צרפתית שמשמעותה "קטגוריה" או "סוג". בחירת הז'אנר משקפת את נקודת מבטו של הכותב כלפי הנושא.

בתיאטרון מופיעים בדרך כלל הסוגים הבאים של מחזות: טרגדיה, קומדיה, מלודרמה וטרגיקומדיה. ניתן לחלק עוד יותר את כל אחד מהז'אנרים האלה לפי סגנון ותוכן ל:

טרגדיה

זהו חיקוי של פעולה שהיא חמורה, מורכבת ורלוונטית. הטרגדיה היא מטבעה רצינית בנושא שלה ועוסקת בבעיות עמוקות. סוגיות עמוקות אלה הן אוניברסליות ומעוררות חמלה ופחד בקרב הקהל כאשר הם עדים לפעולה.

קוֹמֶדִיָה

יש לה את החזון להצחיק את הקהל, היא בדרך כלל פיזית ואנרגטית. התנהגות הדמויות המוצגות מגוחכת ולעיתים מופרכת. זה מעודד את הקהל לתקן את התנהגות החברה.

מֵלוֹדרָמָה

זו דרמת האסון, נסיבות שאינן בשליטתו של הגיבור גורמות לאירועים המשמעותיים של העלילה. היבטי האשמה והאחריות של הגיבור מוחל.

הגיבור הוא קורבן של נסיבות. למלודרמה יש תחושה של שיפוט מוסרי קפדני. כל הנושאים שהוצגו נפתרים בצורה מוגדרת היטב. דמויות טובות מתוגמלות ודמויות רעות נענשות.

טרגיקומדיה

זה השתקפות של החיים עצמם, הם מכילים את כל הז'אנרים הקודמים. היא אינה מתיימרת לשפוט, ואף לא קובעת פסקי דין מוחלטים. זה מתמקד ביחסי אופי ומראה את החברה במצב של שטף מתמשך.

6- תלבושות ואיפור

הם אלמנטים המשמשים לאפיון השחקנים בעת יצירת דמות מחדש.

חֲדַר הַלבָּשָׁה

מתייחס לבגדים ואביזרים שלובשים על הבמה על ידי שחקן או שחקן. היוונים הקדמונים היו החלוצים בפיתוח תלבושות ספציפיות לכל דמות, אמנות זו שימשה להחיות את ימי הביניים וייצגו מרקיז גדול של בית המשפט.

להשלים

זהו השימוש בקוסמטיקה בשינוי המראה הפיזי של שחקן על מנת להתאים את המראה שלו לתפקיד מסוים או לפצות על השפעות התאורה הבימתית.

אומנות האיפור חוללה מהפכה על ידי הכנסת תאורת חשמל וגז וכעת הפכה לפרקטיקה טכנית ביותר.

7- אפקטים של תאורה וקול

מיקום האורות, עוצמתם וצבעם, כמו גם אפקטים קוליים מסייעים לבמאי לתקשר את האווירה, מצב הרוח או התחושה בסצינה.

התאורה הוכרה כתכונה חשובה בייצור התיאטרלי כאשר הופיעו לראשונה מופעי פנים במהלך הרנסנס, וכללו שימוש בנרות ובנוזלים דליקים.

חידושים מכריעים בטכנולוגיית התאורה כללו הצגת מנורות רצפה, שימוש במחזירי אור כדי להגביר את עוצמת קרני האור ואת עמעום האורות באולם בשנת 1876.

פיתוח תאורת הגז בראשית המאה ה -19 ייצג התקדמות משמעותית למרות הסכנות הכרוכות בכך. השימוש בתאורה חשמלית החל בתיאטרון קליפורניה בסן פרנסיסקו בשנת 1879.

מערכות התאורה של היום בתיאטראות מודרניים נשלטות על ידי לוחות מחוונים ממוחשבים ומתוחכמים ביותר, אשר יכולים לתאם תאורה של מערכת שלמה. חידושים אחרונים האחרונים כללו ניסויים עם אור אולטרה סגול, לייזרים והולוגרפיה.

אפקטים קוליים הם הרעשים שנוצרים בליווי סצינה בהצגה, אותם ניתן להפיק על ידי מחשבים או על ידי שחקנים על הבמה ומחוצה לה.

8- במאי

הוא האחראי על יחידת ההפקה הכוללת ועל תיאום מאמצי האמנים. תפקיד הבמאי הוא מרכזי בהפקת מחזה, שכן הבמאי הוא זה שמציב את החזון להפקה לכל המעורבים.

על הבמאי מוטלת המשימה המאתגרת להרכיב קטעים רבים ומורכבים של הפקה: התסריט, השחקנים, התלבושות, התאורה, הצליל והמוזיקה לשלמות אחידה. כדי לבצע משימה זו מנהל צריך:

• פרש את התסריט.
• שתף פעולה עם מעצבים.
• תכננו חזרות.
• מדריך את השחקנים בעבודתם במהלך חזרות.

עבודות הבמאי מבוססות לרוב על מחקר וניתוח מפורט של התסריט שעורך. קריאות קפדניות רבות של התסריט עוזרות לבמאי לפתח מבט אינדיבידואלי על כוונות המחזאי. התפיסה שלך תשפיע על כל היבט של ההפקה.

במאים בודקים גם את הדמויות בתסריט, אוספים כמה שיותר מידע על התכונות הפיזיות והפסיכולוגיות שלהם, החיוניות לבחירת הליהוק.

9- שמיעה

מקור: Prosperoproducciones באמצעות Wikimedia Commons)

קבוצת אנשים שרואים את העבודה. מחזאים ושחקנים רבים רואים את הקהל כאל היסוד החשוב ביותר בתיאטרון, מכיוון שכל המאמץ שמושקע בכתיבה והפקה של מחזה הוא להנאת הקהל.

מכיוון שבתיאטרון המתורגמנים נמצאים בנוכחות ישירה עם הציבור, נוצרת זרם אנרגיה מעגלי, השחקן משפיע על הקהל ולהפך. השפעה זו מוגברת על ידי העובדה שהתיאטרון הוא אירוע קהילתי.

החוויה הקבוצתית היא הכרחית מכיוון שהקבוצה מחזקת את הרגשות שחווה הפרט ויוצרת תודעה קולקטיבית. כאשר קבוצת פרטים מגיבה באופן דומה למתרחש על הבמה, מערכת היחסים שלהם עם אחרים מאוששת ומחוזקת.

מידת ההפרדה בין צוות השחקנים לקהל היא זו שמבדילה בין תיאטרון קונבנציונאלי לבין תיאטרון משתתף.

בראשון, הקהל משתמש בדמיונם בכדי להשתתף בהצגה תוך ניתוק מהאקשן. בשני, השחקנים מקיימים אינטראקציה עם הקהל המנסים לעקוב אחר תסריט מבוסס ואלתור, תוך הדגשת התפתחות אישית או טיפול קבוצתי.

בתיאטרון הקהל מתבקש לקבל סוגים רבים של עולמות דמיוניים. אחת הדרכים להבדיל בין תחומים דמיוניים אלה היא לחלק אותם למה שמכונה תיאטרון ריאליסטי ולא מציאותי.

הריאליזם, שהפך לצורה הדומיננטית של התיאטרון האירופי בסוף המאה ה -19, מנסה לשחזר את החיים בצורה כה קרובה עד שהקהל מניח שהם חייבים להיות חיים. הלא-ריאליזם, לעומת זאת, מנסה להתעלות מעל המציאות הנצפית ולהציג את חלק החיים הקיים בתודעה.

עם זאת, זו טעות להניח ששתי גישות אלה הן בלעדיות זו מזו. רוב מופעי הבמה מכילים תערובת של אלמנטים מציאותיים ולא מציאותיים.

10- סצנה

זה משמש כדי ליצור מחדש את הסביבה בה העלילה מתרחשת, לתסריטוגרפיה המטרות הבאות:

• קבע את הטון והסגנון של ההפקה.
• קבעו את הזמן והמקום.
• מבדיל בין ריאליזם לבין אי-ריאליזם.
• תיאמו את הנוף עם אלמנטים אחרים.
• התמודד עם המגבלות של שטח הבמה ואזור הבמה.

כל המטרות הללו מטופלות בפגישות מרובות בין הבמאי, מעצב התפאורה וצוות העיצוב. בהמשך הרעיונות משתקפים ברישומים, שאחרי תיקונים, ניתוח ושינוי מאפשרים לתכנן את עיצוב הסט המתאים ביותר לסיפור ולחזון היוצרים.

לאחר סיום שלב זה, העיצובים מועברים למנהל טכני, אשר מבצע את הקונסטרוקציות, ההתאמות והמתקנים הנדרשים על הבמה להתממשות המתוכנן.

11- שלב

זה הציוד התיאטרלי, כמו וילונות, רצפות, תפאורות או פלטפורמות, שמשמשים בהפקה דרמטית.

12- אבזרים

מקור: Martinbayo באמצעות Wikimedia Commons)

ישנן קטגוריות שונות של אבזרים. חלק גדול מהאביזרים לכף היד מגיעים מהתסריט והם פריטים נדרשים לבמאי. מעצב הסטים מבקש בדרך כלל גם אבזרי סט כמו הרהיטים המופיעים על הבמה, לעיתים ישנו קו הפרדה נאה בין סוג זה של אבזרים לסצנוגרפיה.

אבזרים הם כל הפריטים הנעים המופיעים במהלך הופעה, לא כולל תחפושות ובמה. הם פריטים שעשויים מניפולציה על ידי שחקן אחד או יותר. ספר, אקדח, כוס יין, בין השאר.

13- מעשים

מקור: Martinbayo באמצעות Wikimedia Commons)

הם מייצגים חלוקה חשובה בהתפתחות המחזה. מרבית המחזות מהתקופה האליזבתאנית ועד המאה ה -19 חולקו לחמש מעשים מאת מחזאים או על ידי עורכים מאוחרים יותר.

בסוף המאה ה -19, סופרים רבים החלו לכתוב מחזות ארבע פעולות. כיום, מעשה אחד, שניים ושלושה הם המשחקים הנפוצים ביותר.

14- תיאטראות (בניין)

זהו המרחב בו משתלבים שחקנים או קהלים. חיוני שיהיה תחום בו האמן, המבצע, מתקשר עם קהל חי.

מבנים תיאטרליים התפתחו מהאמפיתיאטרונים באוויר הפתוח של היוונים והרומאים, למגוון הצורות המדהים שאנו רואים כיום. זהו מרחב התומך בחילופי הדברים הרגשיים בין צוות השחקנים לקהל.

15- אמנה

מקור: אלן צ'אביאנו באמצעות ויקימדיה Commons.

כנס תיאטרון הוא כלי מעשי המשמש את המחזאי או הבמאי כדי לספר את סיפור המחזה בתיאטרון. המוסכמה התיאטרונית הנפוצה ביותר היא זו של הדמויות המדברות זו עם זו ומתיימרות שלא לשים לב לקהל.

מכונה לעיתים קרובות כנס הקיר הרביעי או המסך הרביעי, והוא מדמה את קיומה של חלוקה (בלתי נראית) בין השחקנים לקהל.

מקורותיו והתפתחות היסטורית של התיאטרון

מתי בדיוק התחיל התיאטרון הוא תעלומה. ציידים פרהיסטוריים ביצעו סיפורים על מסעות הציד שלהם. המצרים הקדומים ביצעו שירי קודש ורקדו עבור אלוהיהם בטקסים דתיים. אבל הרעיון של תיאטרון כבידור דרמטי הגיע מאוחר יותר.

המילים האנגלית לטרגדיה וקומדיה ידועות כמקורן משפת היוונים הקדומים. למרות שהיוונים לא היו הראשונים שהעלו מחזות, הם התעניינו מאוד במקורות הטרגדיה והקומדיה.

בכתביהם הציע הפילוסוף אריסטו וסופרים יוונים אחרים תיאוריות ויצרו השערות לגבי התפתחות צורת האמנות של התיאטרון.

הצגות יווניות הועלו בבתי הקולנוע הפתוחים. בתחילה התיאטראות היו בשטחים פתוחים הממוקמים במרכז העיר או בסמוך לצלעות הגבעות. הקהל היה מוכן להאזין ולראות את המקהלה שרה על הרפתקאותיו של אל או גיבור.

לקראת סוף המאה השישית לפני הספירה. ג., המבנים התיאטרוניים הפכו מורחבים יותר. ככל שהתיאטרון הפך פופולרי יותר ויותר תחרותי בקרב ערים, התיאטראות גדלו עם מבנים שיכולים לארח עד 15,000 איש בכל פעם.

התיאטרון קיים מאז שאנשים התכנסו לראשונה לשמוע מישהו אחר מספר סיפור. חברים ומשפחה חלקו את האחריות של הקהל והמבצע, והחליפו תפקידים כל עוד למישהו היה סיפור לחלוק.

תיאטרון מודרני עשוי להיות רשמי יותר, כששחקנים שהוכשרו ליצור סיפור מחדש והצופים המתוחכמים מגיבים לבימוי, אבל הרעיון של חלוקת אנרגיות בין צוות השחקנים לקהל חי נותר ללא שינוי.

הפניות

1. קמרון, ק 'וגילספי פ' (1999). ההנאה מהתיאטרון, מהדורה חמישית. בוסטון: אללין ובייקון.
2. אוניברסיטת קולומבוס: תנאי הערכת תיאטרון מאת דב מור. התאושש מ: theater.columbusstate.edu.
3. Di Benedetto, S. (2012). מבוא לעיצוב תיאטרון. אוקסון, Routledge.
4. המכללה הקהילתית בצפון וירג'יניה: מבוא לתיאטרון מאת ד"ר אריק וו. טרומבול. התאושש מ: novaonline.nvcc.edu.
5. וילסון, א '(2010). חווית התיאטרון. ניו יורק, מקגרו היל.
6. Wolf, L. (2012). מבוא לתיאטרון: גישה ישירה. בלומינגטון, תאגיד Xlibris.